（一）要“以字行腔”，歌唱时“咬字”的关键在于字腹以及字与声的结合
在演唱上应注意中国汉字的四声走向与音乐旋律声腔的紧密结合，从而使诗词、旋律与演唱三方面能和谐统一，更好地表达出诗词的内容来。 这一点在演唱《阳关三叠》时我们已经深有体会。在声音的运用上，不宜有大幅度、强烈的音量变化作为对比，而应该以抒情性为主。过分的音量变化会导致破坏其音乐的协调和诗的意境。声音一定要依附在气息上，要注重气息控制的适当力度，不能过分猛，韧性要强，应注重气息的连贯、流畅。喉咙空间的保持力度要适中，喉咙开度过大以及过重的喉音、鼻音都会使声音显得滞重、夸张，不正常的过快或过慢的颤音都会带来对作品风格意境的破坏，造成声音的不稳定、不连贯和演唱的费力。不宜滥用爆破音、声音要统一，起音要准确。演唱中国早期古典歌曲应特别强调意味美。这些歌曲在情感的表达上虽没有大起大落的戏剧性的情感冲突，但应该仔细体会作品细致、内在以及向心灵深处渗透的情感，要讲究音质的纯美和情绪的内敛，注重中国诗词的独特韵味。特别是在演唱上应该更注重古典诗词的高雅气质以及所蕴含的吟诵味儿，声音的运用上相对柔和，音色要求圆润平和，节奏处理上更平稳。在情绪上，更多地表达出一种怀旧、伤感和惆怅的情调。
（二）演唱古典诗歌还要注意意境美
意境美是中国古典文学艺术创立的最高审美范畴，集中体现了华夏民族的审美理想。在中国古典诗词中，意境美体现得尤为卓著。展读唐宋诗词，一枝红杏，一声鸟鸣，一湾春水，一缕孤烟，都能配合作品所要抒发的感情，营构一种极富意味之情境，使人如坠其中，忘怀身之所在。长期以来，一些演唱者在诠释这些歌曲时，只是“会唱”，而往往忽略自身对歌词意境深刻的把握与理解，尤其是演唱一些诗词性的作品，没有从意蕴上做到充分的把握，就偏离了古典歌曲的演唱风格。笔者认为，每一位歌唱者，都要有一定的文学修养，通过对中国古诗词意境的把握与理解，更好的揭示作品的永恒魅力。通过对中国古诗词艺术歌曲的研究更好的体会词与曲相配生成的美好意蕴。通过对诗词与曲的巧妙配合的感悟，让这些具有耐人寻味的和艺术感染力的作品深入内心，从而让大家了解这而艺术歌曲中既有“大江东去”的雄阔，又有“声声慢”的`婉约；既有“执手相看泪眼”的儿女情长，也有“惊涛拍岸”的慷慨高歌；既有“金戈铁马”的呼啸，也有“月夜蝉鸣”的静思。可以说，中国古诗词呈现出一幅幅美丽的画卷，同时又有着极强的歌唱性。
就审美意蕴来讲，中国古典歌曲既体现出中国语言文学的凝练多彩，又体现 出中国传统音乐的华美律动，既展现了诗词作者的才华风韵，又展现出华夏文化的绚烂多姿，是古诗词与艺术歌曲的完美统一。中国古诗词严格的遵循着诗词的格律要求，在形式上体现出严格、规整、押韵、统一的特性。琴歌《梅花三弄》《碣石调幽兰》在这方面都有严格的要求。古诗词，代表着我们语言文化的卓越成就，在这个基础上产生的艺术歌曲，意境幽深，充满着无穷的艺术魅力。这种词曲共融的文化结晶与华夏文化的审美理想和审美周求一脉相承，其审美意蕴，体现着我们民族文化思考和文化追求的风貌特征，体现出东方文化独有的精神风貌和美学。
（三）艺术的处理与忘我的演唱
了解了歌曲的真情实感后，就应该对歌曲处理有一个全面的总体设想，这里包括整个歌曲的速度、力度、音量、音色、伴奏等等问题。当然这些设想不是盲目的或是随心所欲的，歌曲的结构、曲体、调式旋律的起伏发展，直到节奏、和声等给演唱者以艺术表现的总启示，它们可以指引歌者内在情绪的走向，找到全曲的高潮及歌曲的层次。在演唱中特别要把握好艺术的对比性，如一首歌的叙述性和歌唱性的区别，一首歌曲中强弱、轻重的变化，其中最关键的是要找到歌曲的高点（高潮处）和低点。一般来说要突出高点，一定要把低点放低，一定要有铺垫的过程，否则一个劲儿地强或一个劲儿地弱是达不到艺术效果的。处理歌曲时，画龙点睛的部分往往是一些重点句、字。重点的词句要在咬字吐字上、感情上予以强调，要一句一字地，甚至在一个经过音上深下功夫，反复练唱，认真寻味，找到最适宜的表现手法。也就是说演唱者必须按照自己的总体设计反复演唱攻克难关，直到自己的处理化为真情的体现。
歌唱者要演唱好一首古典歌曲，首先要使自己处于兴奋而又激动的歌唱状态。“真真假假”是艺术表现的特定手法。“假”是为了表现“艺术的真”，“假”，是表现“真”的艺术技巧。真入假出而不失为真，才能发挥艺术的真实性和表现的真实性的统一，才能发挥艺术感染的强大作用。因此我们在演唱时一定要把握好这两者的关系，恰到好处地来表现艺术。在平时的声乐学习中，我们发现一些人在演唱时精神高度紧张，前怕狼后怕虎，满脑子私心杂念，这样的歌唱状态是绝对唱不好歌的，更不用说感动观众了。因此我们讲的“忘我的演唱”就是要演唱者丢掉一切来自思想上的或者声音上的包袱，消除一切紧张因素，以既充满激情而又放松自如的状态进入演唱，要知道，只有情感得到了解放，才能得到自然而舒畅的声音效果，才能有更完美的感情表达。
（四）古典韵味的体现
演唱一首古典音乐作品是个复杂的劳动过程，它对演唱者的要求也是多方面的。成功的演唱者不仅能准确地领会和传达歌曲的艺术意境，同时还能通过自己的再创造，挖掘歌曲里某些潜在的、甚至作曲家没有料想到的东西。中国传统的古琴音乐更是讲究韵味儿，而种种韵味儿作曲家无法提供，它必须由演唱者自己去体会和创造。成功的演唱者并不满足于曲谱中所记下的音而必定会在音外的腔上下工夫（腔也就是韵味），并用得恰到好处。在你唱熟了一首新歌后，根据语言的特点、感情的需要，就会自然而然地在音调的旋律音上增加一些其它的音，使之成为装饰音、颤音、滑音、倚音等，唱起来就会更加动人和自然，就更有味道和美感，这就是韵味给作品带来的新的生命力。
演唱者需具备的艺术修养
深厚的文化修养与精深的艺术修养是演唱中国古典诗歌必须具备的两种修养。一个歌唱者文学修养的深浅，会直接影响他对作品的理解和风格的把握，因为风格的形成，主要就是建立在深厚的文化修养与精深的艺术修养基础上的。而这两种修养 具体包括文学的、历史的、美学的、知识和音乐基本素质方面的知识等。因为中国古典诗歌是古典文学与音乐的综合。还可以通过阅读小说、朗诵诗歌、观看电影、电视等途径，加强自身的艺术修养，体验不同人物的性格和内在的情感活动，丰富音乐感觉的美感性。这对初学歌唱的人来说尤为重要。
一首歌曲或长或短，都凝聚着作曲家的强烈感情，作曲家的深情厚意蕴藏在每个音符之中，歌唱者需要认真地去发掘和领会。一个成熟的歌唱家是能把作曲家的创作意图和作品的风格特点淋漓尽致地表现出来，能把音乐的全部涵义，让听众“一耳了然”的。
歌唱者对作品的理解越深，感受越深，在演唱时的表达则越纯真，越完美。一个没有深厚文学修养的演员，会直接影响他对作品内涵的理解。不少学唱的人，往往单纯从声乐技巧来谈歌唱表现，因此平时的接触面比较窄，不看小说不看画，不读诗文不听音乐，甚至于连报纸也不常看，视野不开阔，知识不丰富，这样的歌唱者是唱不出感情来的。要知道对作品内涵有无深刻的理解，结果是大不一样的，因为只有在理解作品的基础上，才可能做到真情的表达。
结 语
古琴音乐是中国文化的重要组成部分，由于古琴与中国文人极为密切的关系，使得流传至今的古琴及古琴曲、琴歌，沉淀了中国文人的艺术与人生的终极追求与价值观。在大量的古琴音乐中，多方面地反映了人在自然、社会、历史变迁中的种种感受，反映了中国文人崇尚自然、追求和谐的理想。
古典诗歌的演唱是一门比较系统的艺术学科，它涉及了心理学，生理学，语言学，美学等领域，有着非常重要的研究价值。这种歌唱艺术应该是“有声又有乐”，声与情，一向是歌唱中血肉相连的两个部分。发声、咬字、吐字和情感的表达构成歌唱的整体，二者不可分割。歌唱的人声是以人身的整体作为乐器从事歌唱的，绝非只靠嗓子、气息或共鸣就能单独完成的，歌唱是全身心都参与的一种表演艺术，不仅全部身体都要参加，而且包括你的灵魂。歌唱应成为诸种因素融汇于一个整体中的扣人心弦的完美艺术，就是说，只有声情并茂，技艺结合，才能使歌唱达到感人的境界，产生沁人肺腑的艺术成果。声与情是辩证的统一，相辅相成。不论是专业歌唱者还是业余爱好者，在平时的训练中，要加强整体歌唱的意识，使歌唱发声与情感表达同时进行，使声、字、情为一体,养成心灵歌唱的习惯。
歌唱艺术又是听觉艺术，它的艺术感染力最终要靠演唱来体现，歌唱者把音符和文字符号变成声音的过程，是一个艺术再创造的过程。一首好的、甚至经典的歌曲的诗词和音乐终归只是停留在纸面上的，必须通过歌唱者把它唱活才能使听众充分感受。因此，作为一名歌唱者应该从各个方面来丰富自己，提高自己的文化艺术素质，脚踏实地地进行艰苦的艺术再创造活动。
在学习演唱声乐的道路上，我们应该遵循着艺术发展的客观规律来进行系统深刻的学习，并且应本着谦虚和谨慎的学习态度来刻苦钻研，这点对我们即将毕业的声乐学习者尤为重要，力求在以后的声乐学习道路上不断完善自己，最终达到“情”与“乐”的和谐统一，形成自己的演唱风格。
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