“以情带声,声情并茂”在声乐教学中的运用论文

　　导语：高校声乐演唱教学必须突出语言的重要性，要使学生不仅能用歌声表达出作品的感情，更能用语言传达出作品的思想内涵。所以，我们只有只有对声乐教学中的语言进行不断地研究和探讨，才能使我国声乐艺术不断发展，屹立于世界文化艺术之林。以下是小编为大家整理的“以情带声,声情并茂”在声乐教学中的运用论文，欢迎大家的借鉴！

　　“以情带声,声情并茂”在声乐教学中的运用论文1

　　摘 要： 有声无情是“昧”，有情无声是“媚”，声情并茂才是“魅”。演唱没有感情，不仅不能获得优美松弛的歌声，而且也不能产生艺术感染力，很难打动观众，演员与观众就很难产生共鸣。从某种意义上讲，声为情之本，同时又以情感为内容：情为声之魄，它既以声音为依托，又赋予声音丰富的内涵，给声音以情感的魅力。不同的声音表现着不同的情感，而不同的情感又能激发出不同的声音，两者相互依存，相互作用，共同构筑成歌唱艺术的殿堂。

关键词：声音 情感 声情并茂

　　歌唱不是简单的用声乐技巧来演唱歌曲，它是由技术层面和艺术层面两个方面组成的。“声乐表演”从字面的意思可以理解为“声”就是声音、“乐”指音乐、“表”是一种外在的表现、“演”泛指演绎。所以，歌唱不仅是通过声音来表现人类情感的一种方式，也是声音与情感的一种结合。一首成功的声乐作品不仅能够在听觉上给观众以震撼，同时还能抓住观众的视觉神经，给予观众听觉和视觉的双重享受。这就要求歌唱者不仅具备优美的嗓音和娴熟的声乐演唱技巧，还要在演唱中恰如其分的加入自己的思想感情，准确的把握作品风格和人物性格，通过自己在情感上的变化，完美的呈现作品所要表达的意境。在我们的日常演唱中，演唱者往往会把过多的注意力放到声音上，学生最多的疑问就是：“我的声音传不传？”、“我的声音拢住了没有？”、“我的腔体打开了吗？”、“我的高音站住了吗？”类似这样的问题。这种只重视声乐技能的获得，却不重视情感表现力的培养，在歌唱上来讲都是不完整、不科学的。所以我们在平时的教学过程中，不仅要重视学生声乐技能的培养，还要把教学重点转移到声乐技巧和情感表现的结合上来，潜移默化的培养他们以情带声，声情并茂的演唱习惯。

　　好的声音是建立在科学的发声方法的基础之上，它需要有稳定的气息，规范清晰的吐字，有良好的共鸣。如果没有有效的、系统的发声训练，是很难出现优美的声音，也不可能吸引到观众的注意力。歌剧之所以能够流传几百年至今而经久不衰，最重要的不仅是演唱者具备高超的演唱技巧，而是要准确的抓住人物的内心变化，诠释出作品所要传递的思想感情。作为一名专业的歌唱演员，如果不具备以上的歌唱条件，怎么还能够在歌剧中扮演各式各样的人物，怎么能够让台下观众所接受。我们在教学的过程中，重视的往往是基本的发声技巧的练习，比如气息的训练，要找到叹气的感觉，横膈膜、丹田、后腰组成一个三角形的支撑点，气息外扩，顺着叹气的力量进行演唱；强调咬字吐字的感觉，要像说一样的唱，要大声的朗读歌词，做到字正腔圆；还要注重腔体的建立，演唱高音时注意咽壁的力量，注意头腔共鸣和胸腔共鸣等等。这些声乐技巧是每个声乐学习者都必须重视和掌握的，但是在这些声乐技巧培养的同时，往往很容易忽略了情感的培养。我们进行发声训练所采用的方法一般为音阶的上行、下行配以元音的组合，或者是琶音配以元音的组合，这种发声方法难免会让学生感到枯燥乏味。如何能够从单调、乏味、无内容的练声曲中挖掘发声训练的.情感因素呢？我们可以让学生把各个元音放到歌曲当中去，不用唱歌词，用元音去演唱整首歌曲，练声曲目的难度由声乐作品的难度决定，把单调的发声练习变为有内容有情感的歌声，通过旋律的流动去换起对作品意境的联想。有了意境的联想，自然会有情感，有了情感气息自然会得到有效的控制。通过“以情带声”的演唱方法能够有效的调整演唱者的呼吸，打开共鸣腔体，从而获得事半功倍的效果。

　　当学生们拿到一首新的作品的时候，往往第一反应是这首歌的最高音到哪里，如果是最高音在自己的音域范围内，就以为自己能熟练的驾驭这首歌曲了，这种观念是错误的。想要做到“以情带声，声情并茂”的去演唱，就必须对作品进行研究和处理。首先，当我们拿到一首新的作品时，首先要理解它的歌词大意。声乐和器乐最大的不同就是，声乐除了以音乐的形式来表现外，还通过文字的形式来体现，特别是中国的语言，本身就是一种旋律性的语言，它有一种旋律的美感深藏在里面。所以我们对待一首新作品时，要大声朗读歌词，理解歌词大意，通过文字所蕴含的细腻情感来衬托旋律的美感。其次，要了解作品风格，准确把握人物性格。当我们欣赏一场音乐会时常常会发现，歌唱者无论是中国艺术歌曲或者地方民歌，还是欧洲古典艺术歌曲或者歌剧选段和咏叹调，总感觉是一个味道，缺少韵律，很难给观众以心灵上的震撼。造成这种现象的原因就是歌者在演唱初期没有很好的对作品的风格进行细致的处理和分析。演唱中国声乐作品，首先要了解的是作曲家通过这首作品所要表达的创作意图，通过这首作品能够传递出怎样的思想情感，这是抓住这首作品灵魂的关键；演唱地方民歌时，我们所要了解的是这个地域或民族的风土人情、文化背景、民族特点、还有生活习性等，通过一首歌曲能够让观众更加直观的了解到这个地域的地域特点和民族精神；在演唱欧洲艺术歌曲时，要知道作曲家所处的音乐时代，从而了解这个时代的文化背景和创作风格，以及当时的绘画、雕塑、建筑等有形的空间艺术，他们的风格往往比音乐更加一目了然。歌剧选段和咏叹调的演唱首先要了解的是整部歌剧的内容，了解人物性格和创作风格，以及所演唱的选段和咏叹调在整部歌剧中所处的位置以及前后衔接的故事内容，这样才能把作曲家的创作意图和作品的风格特点淋漓尽致的表现出来。

　　以多尼采蒂的歌剧《爱的甘醇》中的男高音咏叹调《偷撒一滴泪》为例，这是一首极富盛名的咏叹调，被誉为男高音的“试金石”。它需要稳定的气息支持，匀称的声音和连贯的旋律线条。这首咏叹调出现在第二幕的第二场。内莫里诺以为是爱情的灵药帮助他赢得了众多姑娘的芳心，岂不知是姑娘们听说他意外获得了一大笔遗产。此时，阿迪娜并不知道发生在内莫里诺身上的故事，但是姑娘们的追求使她认识到自己也爱着内莫里诺。这时，内莫里诺认为自己窥视到了阿迪娜眼中的泪水，他用这首咏叹调表示，自己愿意以死为代价，获得心中的姑娘阿迪娜。这首咏叹调的出现形式一般是在整部歌剧或者是在音乐会上被歌唱家们拿出来单独演唱。在歌剧演出时要注意人物在舞台上的站位和剧情的发展，而在音乐会上演出时演唱者更多注意的是自己的声音，往往忽略了这首咏叹调在歌剧中内容前后的衔接以及对剧情的发展、人物的刻画和情绪的渲染所起到的作用。舞台表演对演唱者来说起着至关重要的作用，因为好的演唱者不仅要具备精湛的声乐技巧、优美的音色和宽广的音域，还需要用肢体语言和表演技巧把歌剧中的戏剧人物的个性特征表现到近乎完美的程度。另外，演唱者还要注意自己情绪的把握，虽然良好的情绪或者比较良好的精神状态能够帮助自己达到良好的声音状态，但是一定做到表演幅度要张弛有度，要从作品和人物出发，要符合角色的性格特征，不能过于夸张和过于拘谨。

　　在注重“声”与“情”相结合的同时，还要善于运用情感去解决技术上的难点。无论是男高音还是女高音，在演唱中声区时，通过胸腔共鸣可以让声音饱满而结实，高声区通过头腔共鸣可以使声音圆润、通畅并富有穿透力，可唱到低音区时，往往会因为漏气而使声音缺乏力度，音色也不够明亮。这种现象给人的感觉就是声音缺乏整体的统一性，并且低音区往往是一部声乐作品用情至深之时，也是最能表达作者情感的音区，这时更需要结实饱满的声音去表达作品所要诠释的思想感情，这种能清晰听到低音或者微声的效果，是展示歌手演唱技巧上全面性和扎实功底的关键所在。解决此问题最简单有效的办法是，对学生进行情感上的教学，当我们俯身我们心爱人的身边说情话时，声音虽然很小，但是很集中很清晰，又是那么深情那么甜美。用跟爱人或者亲人低声说话的感觉去演唱，往往能有更好的艺术效果，所以注重学生情感上的培养能更好的解决技术上的难点。

　　要做到“以情带声、声情并茂”的演唱，还必须提高歌唱者的艺术修养。一位歌唱家，不仅善于充分运用声乐技巧，还可以通过自身的艺术修养恰到好处的完成声乐作品；如果歌唱者缺乏知识，对歌曲产生的背景，地域的风土人情，甚至歌词含义都无法准确的理解，就不可能表达出作品的深刻含义和意境来，这样的歌唱者只能称作“歌唱匠”。